Más que grande
Caravaggio
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Diplodocus
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- Registrado: Lun Ene 30, 2012 9:09 pm
En diciembre pasado, los investigadores italianos exhumaron una fosa común del cementerio de Porto Ercole, donde en 1956 se habían trasladado parte de los restos enterrados en el antiguo cementerio de la ciudad, pertenecientes a unas 20 personas. Entre ellos se suponía que estaban los de Caravaggio.
A ver, que esto no va de Vidas Ejemplares 
(se rumorea que el pintor del bisonte de las cuevas de Altamira era un sátrapa
)
El Barroco es el tiempo del pintor Caravaggio, un artista de temperamento fuerte y violento que marcó para siempre su destino. El artista fue acusado de difamación por injurias, fue arrestado por portar armas, por lesionar a un notario de Roma, y por asesinar a una persona. A partir de ese momento Caravaggio sería un fugitivo y un artista atormentado. Tiene que escapar de la pena capital que iba a recaer sobre él, entonces se refugió de inmediato en Nápoles y en esta ciudad pinta ?La cena de Emaus?
(se rumorea que el pintor del bisonte de las cuevas de Altamira era un sátrapa
)El Barroco es el tiempo del pintor Caravaggio, un artista de temperamento fuerte y violento que marcó para siempre su destino. El artista fue acusado de difamación por injurias, fue arrestado por portar armas, por lesionar a un notario de Roma, y por asesinar a una persona. A partir de ese momento Caravaggio sería un fugitivo y un artista atormentado. Tiene que escapar de la pena capital que iba a recaer sobre él, entonces se refugió de inmediato en Nápoles y en esta ciudad pinta ?La cena de Emaus?
Caravaggio y Francis Bacon son los intérpretes más revolucionarios de la representación de la figura humana. Ambos, en la variedad de su poética y su tiempo, han penetrado con revolucionaria originalidad en el misterio de la existencia del arte, representando la verdad espiritual en la más traumática inmediatez de la carne.
La escena muestra a la Virgen tumbada sobre una mesa prepara como lecho provisional para colocar el cuerpo sin vida. Vestida con un llamativo vestido rojo, María tiene la cabeza ladeada hacia la derecha, el pelo alborotado y la mano izquierda posada sobre el vientre, ligeramente abultado, mientras el brazo izquierdo cae inerte. Aunque los apóstoles han intentado cubrir el cuerpo de la madre de Cristo, los pies sobresalen desnudos. Tan sólo un casi imperceptible nimbo corona la cabeza de María, único elemento que nos indica la trascendencia del acontecimiento representado. A su lado, sentada sobre un taburete bajo, María Magdalena llora de manera desconsolada, dejando caer la cabeza sobre sus rodillas. Delante de ella observamos una palangana posiblemente usada para lavar el cadáver. Detrás del lecho mortuorio un grupo compacto de apóstoles velan el cuerpo de María. Vestidos con pesados mantos, en primer término podemos identificar a Pedro, situado a los pies, Pablo, con barba larga que observa meditabundo y Juan, el más joven, vestido de verde, situado junto a la cabeza de la Virgen. El resto de apóstoles asisten al velatorio mostrando distintas actitudes desde la mirada ausente hasta los que entablan conversación.
La escena aparece en penumbra, iluminada de manera lateral por un foco de luz situado en el lado superior izquierdo que ilumina de manera directa a la Virgen así como a los personajes más próximos a ella mientras el resto queda en semipenumbra, creando efectos de claroscuro tan del gusto del pintor más relevante de la técnica tenebrista. Predominan colores oscuros y cálidos como marrones, ocres, naranjas y verdes oscuros, destacando el rojo intenso del vestido de la Virgen así como de la cortina suspendida en la parte superior que cae a manera de telón teatral.
El rumor de que Caravaggio había usado a una prostituta ahogada en el río Tíber como modelo para la Virgen fue motivo de escándalo y, posiblemente, una de las causas que llevó al rechazo de la obra por parte de los comitentes. Igualmente, a pesar de que el tema de la muerte o dormición de la Virgen ya había sido representado en numerosas ocasiones, nunca un artista lo había hecho de esta manera. A pesar de que, según el dogma de la Iglesia Católica, María no sufrió la muerte terrenal sino que entro en un estado de dormición que la elevó a los Cielos en cuerpo y alma, Caravaggio muestra la muerte en toda su crudeza. La postura que adopta el cuerpo de María, el vientre abultado así como la lividez del rostro nos descubren que nos encontramos ante un auténtico cadáver. Caravaggio nos muestra el dolor, la desesperación y la soledad ante la muerte y nada aparece en el cuadro que nos insinúe la Asunción del cuerpo y el alma al cielo.
La escena aparece en penumbra, iluminada de manera lateral por un foco de luz situado en el lado superior izquierdo que ilumina de manera directa a la Virgen así como a los personajes más próximos a ella mientras el resto queda en semipenumbra, creando efectos de claroscuro tan del gusto del pintor más relevante de la técnica tenebrista. Predominan colores oscuros y cálidos como marrones, ocres, naranjas y verdes oscuros, destacando el rojo intenso del vestido de la Virgen así como de la cortina suspendida en la parte superior que cae a manera de telón teatral.
El rumor de que Caravaggio había usado a una prostituta ahogada en el río Tíber como modelo para la Virgen fue motivo de escándalo y, posiblemente, una de las causas que llevó al rechazo de la obra por parte de los comitentes. Igualmente, a pesar de que el tema de la muerte o dormición de la Virgen ya había sido representado en numerosas ocasiones, nunca un artista lo había hecho de esta manera. A pesar de que, según el dogma de la Iglesia Católica, María no sufrió la muerte terrenal sino que entro en un estado de dormición que la elevó a los Cielos en cuerpo y alma, Caravaggio muestra la muerte en toda su crudeza. La postura que adopta el cuerpo de María, el vientre abultado así como la lividez del rostro nos descubren que nos encontramos ante un auténtico cadáver. Caravaggio nos muestra el dolor, la desesperación y la soledad ante la muerte y nada aparece en el cuadro que nos insinúe la Asunción del cuerpo y el alma al cielo.
Al joven pintor lo encontramos en Roma ya entre los años 1590 y 1592 aproximadamente. Allí entra, después de pasar por diversas miserias, en el taller de Antiveduto Grammatica, pintor de noble origen sienes. Posteriormente enferma de malaria, ingresando en el hospital de la Consolazione y pintando varios cuadros durante su convalecencia. Una vez recuperado, entra a las ordenes del Caballero de Arpino como especialista en bodegones y posteriormente a las de Prospero Orsi, siendo ambos famosos pintores de la Roma de la época.
La buenaventura es su primera composición con más de una figura, en la que muestra a Mario engañado por una niña gitana. Este tema fue un poco nuevo para la sociedad romana y además demostró una increíble influencia sobre el arte italiano, pero eso ocurrió en el futuro pues en su época Caravaggio lo vendió por una pequeña suma de liras
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The Musicians
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[(La virgen del rosario-detalle)
"A principios del siglo XIII, el burgalés Domingo de Guzmán, futuro fundador de la orden de los dominicos, se lió la manta a la cabeza y se marchó al sur de Francia a convertir cátaros. El papa de Roma había abierto la veda de caza de herejes proclamando una nueva cruzada contra los que pensaban distinto y sumarse a ella era una buena forma de prosperar. Un buen día, mientras Domingo se paseaba por el Languedoc buscando infieles, se le apareció la virgen, le puso en las manos una sarta de cuentas llamada "rosario" y le explicó como se usaba.
Podría decirse que esta fue la presentación oficial del rosario, aunque lo cierto es que no se puso de moda hasta el siglo XVII, con la contrarreforma. En esos años, la iglesia católica se dedicó a repartir rosarios a troche y moche entre sus fieles. Era un instrumento de fabricación barata, fácil de distribuir y que permitía tener al populacho entretenido y quieto durante largas horas rezando padrenuestros y avemarías. Y además les diferenciaba de los protestantes, que lo rechazaban por considerar que los rezos repetitivos eran propios de paganos.
Fue en pleno boom del rosario cuando Caravaggio, que siempre estaba al tanto de las modas eclesiásticas para poder vender cuadros, pintó el enorme lienzo titulado La virgen del rosario. "
"Pues si os fijáis bien, uno de los personajes del cuadro no ha podido soportar con entereza la aparición sobrenatural de la virgen y se ha cagado de miedo en los pañales, literalmente. "
Retrato dibujado por Ottavio Leoni
Era conocido como el "pintor amado que se odiaba a sí mismo"
«Después de varios años de trabajo, Caravaggio pasó de una ciudad a otra sirviendo a varios señores importantes. Es una persona trabajadora, pero a la vez orgullosa, terca y siempre dispuesta a participar en una discusión o a enfrascarse en una pelea, por lo que es difícil llevarse bien con él».
Floris Claes van Dijk
"Baco enfermo es uno de los primeros cuadros de Caravaggio. Se conserva en la Galería Borghese de Roma.
Caravaggio era joven cuando realizó esta obra, que representa al dios Baco. Aquí aparece representado como un joven musculoso y atractivo, pero de piel amarillenta y de labios descoloridos.
Podría tratarse de un autorretrato de Caravaggio en el hospital, donde estuvo internado a causa de las heridas recibidas por la coz de un caballo. Sin embargo, algunos críticos consideran que el pintor fue internado por causa de la malaria. Aquí se disfraza del personaje que va a retratar, como después lo haría Rembrandt. El modelo está sentado con el rostro vuelto al espectador.
La obra fue confiscada en 1607, y el papa Paulo V la donó a su sobrino Scipione Borghese.
Esta representación de Baco está alejada de las pinturas tradicionales. Se trata de una pintura realista que preludia el arte del siglo XIX. Destaca la maestría con la que está tratada la naturaleza muerta."
http://letamendi.files.wordpress.com/20 ... 330&crop=1
Re: Caravaggio
Por un momento creia que era una foto. Me he quedado helado.Txan escribió:
Más que grande
Pantumaca: si tienes ocasión de pasar por El Prado, no dejes de verlo. Te deja paralizado.
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Nasciso
"... Caravaggio emplea una composición sencilla para plasmar el tema, con esas típicas figuras enormes que parecen desbordar los propios límites del marco del cuadro. Esta técnica proporciona una gran cercanía al personaje así como un aspecto espontáneo, como de fotografía, que corta a veces el cuerpo retratado por estar demasiado próximo el espectador.
De esta manera, las figuras de Caravaggio suelen tener un tamaño casi natural, lo que contribuye aún más a la sensación de proximidad con las mismas. El lienzo está limpiamente seccionado en dos mitades, constituidas por el hermoso Narciso, que describe con su cuerpo una figura geométrica rectangular casi perfecta, con un arco de luz constituido por sus brazos, cuello y rostro, equilibrado con el destello central de la rodilla. En la mitad inferior le responde con armonía el reflejo del joven, más atenuado, perdido en el estanque, significando la fatuidad y lo superficial de la belleza física, no más estable que el reflejo trémulo de la superficie del agua."
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Nasciso
"... Caravaggio emplea una composición sencilla para plasmar el tema, con esas típicas figuras enormes que parecen desbordar los propios límites del marco del cuadro. Esta técnica proporciona una gran cercanía al personaje así como un aspecto espontáneo, como de fotografía, que corta a veces el cuerpo retratado por estar demasiado próximo el espectador.
De esta manera, las figuras de Caravaggio suelen tener un tamaño casi natural, lo que contribuye aún más a la sensación de proximidad con las mismas. El lienzo está limpiamente seccionado en dos mitades, constituidas por el hermoso Narciso, que describe con su cuerpo una figura geométrica rectangular casi perfecta, con un arco de luz constituido por sus brazos, cuello y rostro, equilibrado con el destello central de la rodilla. En la mitad inferior le responde con armonía el reflejo del joven, más atenuado, perdido en el estanque, significando la fatuidad y lo superficial de la belleza física, no más estable que el reflejo trémulo de la superficie del agua."
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María Magdalena penitente
Sin lugar a dudas Caravaggio se aparta completamente de la manera en que se representaba a María Magdalena, gran pecadora arrepentida, convirtiéndola en una muchacha joven y hermosa, llena de inocencia pero profundamente abatida, transmitiendo tanto dolor que renuncia a los perfumes y joyas, abandonándolos en el suelo y formando por sí mismos una bellísima naturaleza muerta. Una manera genial de plasmar a la Magdalena.
Caravaggio se limita a pintar lo esencial, alterando la vestimenta de la virgen por la de una lavandera o una humilde campesina junto a objetos en el suelo: joyas desparramadas y rotas y el jarro con perfume, símbolos de la vanidad de Magdalena.
María Magdalena, que aparece en el cuadro realizado en 1596, fue el primer retrato femenino creado por Caravaggio, quien hasta entonces sólo había pintado a jóvenes en situaciones cotidianas.
Fiel a su afán provocador, eligió a la cortesana romana Anna Bianchini para inmortalizarla, acción que provocó que el cuadro fuera rechazado y que las puertas de la Iglesia se le cerraran.
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Diplodocus
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En alguna ocasión se ha dicho que ese cuadro era parte del ?precio? que Caravaggio tenía que pagar por su perdón, y de algún modo es cierto, pero conviene matizar los tiempos. Algunos expertos dicen que el cuadro debió pintarse sobre el año 1.606 y otros en 1.609-1.610, yo me inclino por esta segunda tesis que es mayoritaria. Efectivamente, Bellori dice que un David con la cabeza de Goliath fue pintado para el Cardenal Scipione Borghese. No hay otro documento aclaratorio por ahora. El David con la cabeza de Goliath pudo haber sido enviado con no mucha anterioridad al viaje de retorno de Caravaggio a Roma, y eso no es una cuestión de romanticismo, puesto que el cuadro es decididamente un acto de contrición del pintor, que como se sabe son actos muy apreciados en la moral católica (dolor de los pecados, propósito de la enmienda, decir los pecados al confesor y cumplir la penitencia). Este cuadro es una manifestación del dolor de los pecados y una petición de clemencia. Cuanto más se mira el cuadro, más se convence uno de que ese joven que sale de un fondo oscuro y lleva la cabeza de Goliath por el pelo, no es sino la cabeza de Caravaggio, es una petición de perdón.
* y a mí que la cabeza de Goliath me recuerda mucho a alguien......
El descendimiento
El único cuadro alabado por todos desde el mismo momento que se expuso en 1604. ¿Cuál ha sido la razón de esa unanimidad? Pues, tal vez sea porque en la obra conjugó naturalismo e idealización, es decir, además de reflejar a tipos populares como era propio de la obra de Caravaggio, también se dejó inspirar por la belleza de un clásico. En el detalle que tenemos encima podemos observar el contraste entre la figura y el rostro de Nicodemo, que vuelve su rostro compungido y lleno de arrugas hacia nosotros, un rostro real, y el desnudo bello de Cristo, un cuerpo idealizado. El primero es posible que se trate del retrato de Pietro Vittrice, titular del patronato del oratorio de San Felipe Neri, muerto en 1600, y el segundo es un modelo inspirado en la tradición que comienza en La Piedad de Miguel Ángel y que continúa en el Santo Entierro de Tiziano, como se puede ver en la foto de debajo. El resto de los personajes son populares, aunque no premeditadamente afeados.
(Comparación. Detalles del brazo y del desnudo de Cristo muerto en La Piedad de Miguel Ángel, el Santo Entierro de Tiziano y El Descendimiento de Caravaggio.)
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